Astrid Schröder

Picture by altrofoto Regensburg

Astrid Schröder

Née en 1962 en Allemagne, où elle vit et travaille.

Représentée par la Galerie La Ligne depuis 2022

Oeuvres de Astrid Schröder

La fascination du minimum

Il n'est pas déplacé de s'interroger sur le statut actuel de la peinture, compte tenu de la croissance diversifiée du paysage artistique. D'un point de vue superficiel, elle semble s'être épanouie à la fin du 20e siècle, alors qu'elle est l'un des genres artistiques les plus anciens. Dans les expositions comme dans les propositions de jury pour diverses distinctions, la part des jeunes peintres se fait de plus en plus rare. Mais si l'on y regarde de plus près, on constate que des positions indépendantes les unes des autres, issues de la génération des trentenaires et des quadragénaires, s'efforcent aujourd'hui très intensément de définir l'essence de la peinture. La question de l'innovation (que nous avons pris l'habitude de poser dans l'histoire inventive du modernisme et du postmodernisme) n'a pas sa place ici, pas plus que la question de la légitimité de l'héritage. Il est inévitable de renouer avec ce qui a été ; la radicalité à l'état pur n'est plus possible dans une discipline qui propose simultanément des extrêmes aigus comme le minimalisme et l'expressionnisme gestuel parmi de nombreux autres styles. La compréhension de la peinture ne se définit pas aujourd'hui, comme par le passé, de manière chronologique (sur la base d'un changement de style), mais réellement dans le sens de la juxtaposition de phénomènes, par exemple d'un paysage. Libérée de l'obligation d'être avant-gardiste par les immenses possibilités des nouveaux médias électroniques, la peinture peut aujourd'hui se concentrer entièrement sur elle-même. La méthodologie et l'empathie avec la matière passent au premier plan. Celui qui peint est prêt à se plonger dans l'introspection. La peinture n'est pas une activité rapide, et si elle l'est, elle nécessite une longue préparation.

Astrid Schröder aborde le médium avec le sérieux que suggèrent ces directives. Elle a développé son langage pictural réduit sur une longue période à partir de formes nées de la gestuelle et de la motricité. Il s'agit d'images linéaires qui refusent toute émotion et qui sont entièrement placées sous le signe de la méthode et de ses effets. La réduction qui domine cette méthode de travail est peut-être ce à quoi chaque peintre aspire à au moins un moment de sa carrière. Se rapprocher du point zéro, se débarrasser de tout ce qui est superflu, concevoir la peinture à partir de rien. Un chemin de purification qui, pour beaucoup, est resté la voie royale.

Remplir un tableau ligne par ligne, toujours avec la même approche, a quelque chose de méditatif. L'artiste travaille avec la règle, qu'elle applique parallèlement encore et encore sur le bord du tableau. Avec ce procédé, elle se distingue d'une génération plus ancienne pour laquelle le « travail manuel » méditatif était important. Mais chez elle non plus, la règle ne sert pas d'instrument de précision : elle n'est qu'un outil qui laisse encore suffisamment de place au ductus changeant de la main et du pinceau. S'il s'agissait de créer une image linéaire aussi précise que possible, il y aurait certainement de meilleures méthodes. Mais c'est justement l'irrégularité dans la régularité qui est importante ici.

La fascination pour les processus aléatoires est un moteur pour la peintre. Le calcul qui va de pair avec la structure ordonnée des parallèles horizontales ou verticales est rendu caduc par les micro-événements incontrôlables que déclenche le travail manuel. Lors de l'application du pinceau (ou du crayon pour les dessins) et du tracé de la ligne, d'infimes décalages se produisent, dont la somme constitue l'impression générale de la texture du tableau. Ainsi, les traits de pinceau tracés selon une trame de 6 cm ne produisent pas seulement des effets de couleur changeants, mais aussi des sillons verticaux qui font penser à l'arbitraire des formations naturelles. Comme dans les tableaux à numéro de Roman Opalka, où la saturation lente et décroissante de la couleur par le pinceau rythme la structure de l'image, le tracé de couleur de plus en plus transparent est également décisif dans les lignes de ces tableaux. La dramaturgie naît du chevauchement des traces de couleurs saturées et non saturées - en particulier dans les tableaux où les lignes sont échelonnées en cascade comme les voix d'un canon. La matière colorée est dominante, mais la coloration en tant que telle ne joue guère de rôle : les images sont généralement en deux tons, clair sur foncé ou inversement.

Les dessins illustrent encore plus clairement les processus microscopiques. Le crayon ne ment pas et n'efface rien - les irrégularités des raccords, des bords et de la texture des surfaces lignées sont exemplaires de l'individualité et de l'aléatoire d'une action. Dans certaines séries, une épaisseur de crayon différente est utilisée pour chaque feuille ; comme pour l'application de la peinture, une grande attention est accordée à la matérialité du graphite. Il en résulte des feuilles d'une beauté singulière, dans lesquelles on peut lire longtemps.

En traçant une ligne, on indique toujours une direction ; en multipliant l'acte, on obtient ainsi des processus dynamiques qui constituent l'essence même de ces images. Que le mouvement soit symétrique de l'extérieur ou qu'il aille de haut en bas, la construction apparaît toujours comme un ensemble complexe. Parfois, les différents éléments se fondent en un tapis scintillant, comme si la surface de l'image vibrait légèrement. Dans d'autres tableaux, c'est l'élément pulsatif et rythmique qui prédomine. La comparaison avec un morceau de musique s'impose : une composition achevée dans laquelle des notes individuelles, regroupées en lignes mélodiques, créent un tapis sonore. Dans ce cas, il s'agirait sans doute de la beauté singulière de la musique minimale qui, par sa réduction, représente quelque chose de très élémentaire, tel qu'il est en même temps le résultat d'une grande sensibilisation.

Barbara Rollmann-Boretty 1997

Collections publiques (sélection)

Bayerisches Wirtschaftsministerium München

Bayerische Staatsgemäldesammlung, München

Technische Fachhochschule, Deggendorf

Staatliches Hochbauamt Passau

Grafische Sammlung der Bauten des Bundes in Berlin:

Bundesamt für Bauwesen und Raumordnung

Bundesministerium der Justiz

Sammlung, Museen der Stadt Regensburg

Städtische Sammlung der Stadt Regensburg

Staatliches Hochbauamt Passau

Sammlung, Europäisches Patentamt, Den Haag NL

Sammlung, Europäisches Patentamt, München

Sammlung, Bezirk Oberpfalz

Kunstsammlung Allianz SE, München

Kunstsammlungen des Bistums Regensburg

Grafik Fondation Vera Röhm, Lausanne

Pinakothek der Moderne, München

Städtische Sammlung der Stadt Amberg

Forum Konkrete Kunst, Museen der Stadt Jena

Collection Winfried Wuensch, Linz AT